" PICCOLE DONNE " di Greta Gerwig ( USA, 2019 )

Ridurre un romanzo  per lo schermo cinematografico (e già il termine " ridurre " suggerisce una costrizione, una compressione del testo  nel particolare " format " di un film e quindi  un'operazione tutt'altro che semplice ) è impresa tentata mille volte con esiti alterni. Abbiamo opere letterarie di grande valore che hanno avuto trasposizioni francamente deludenti  ed altre di assai minore risalto estetico - paradossalmente il caso più frequente - che  al cinema hanno acquistato, per così dire, qualità che alla semplice lettura non erano affatto evidenti. Pleonastico chiosare sul fatto che esprimersi per immagini in movimento, sia pure qua e là accompagnate dal dialogo, differisce assai, come tecnica, dal costruire un racconto, dall'evocare psicologie e stati d'animo, con il solo ricorso alla parola. Più  utile soffermarsi sulla circostanza che  colui o colei che pone mano ad un'opera letteraria, romanzo o racconto che sia, allo scopo di farne un film, trova dinnanzi un  importante nodo da sciogliere. Prima ancora, infatti, della scelta della misura in cui mantenersi  fedele al  contenuto del testo, l'interrogativo è quello sul modo in cui dar vita ad un immaginario visivo che corrisponda, nello stile e nell' atmosfera complessiva, alle intenzioni, diremmo alle " ragioni narrative "  del suo autore. Di qui opere cinematografiche che, nel timore forse di tradire l'ispirazione originaria del libro, ne seguono passo passo il percorso espositivo dei fatti e delle situazioni, scorciando naturalmente dove necessario  per contenere la vicenda nei tempi  concessi ad un film. Mentre altri, coraggiosamente, si inoltrano su vie più ardimentose. Invece di un semplice "adattamento ", sia pure a volte di grande gusto e sostanziale aderenza allo spirito dell'opera letteraria, preferiscono tentare un'operazione più personale : quella, in sostanza, di dar vita ad una creazione che, pur traendo spunto dal libro e mantenendosi  in linea con il suo significato, risulti da questo  maggiormente autonoma e più propriamente cinematografica. Tale è il cammino intrapreso oggi con successo dalla giovane americana,appena trentaseienne, Greta Gerwig, nel portare sullo schermo il bel libro " Piccole donne " di Louisa May Alcott che già  altre tre volte era stato adattato per il cinema nell'epoca del sonoro dandoci opere di importanza diversa ma tutte interessanti.

Cosa ha fatto, dunque, la Gerwig per scrivere e dirigere quello che, a tutt'oggi, è il miglior " Piccole donne " della breve storia del cinema, riuscendo a mantenersi fedele all'atmosfera  calda ed ottimistica del libro, cristallizzata nel ricordo di milioni di lettori, ma al tempo stesso firmando un'opera molto personale e che aggiunge ulteriore spessore al testo letterario ? Con coraggio e a rischio magari di scontentare qualcuno ha destrutturato il racconto e lo ha ricomposto secondo una sintassi, cioè un susseguirsi di sequenze, che non è più quella cronologica e lineare del libro ma risponde invece alle sue motivazioni più profonde, a quella vena che come un fiume carsico scorre nascostamente lungo tutte le pagine. Le quattro ragazze March,solidali tra di loro ma diverse per aspirazioni, capacità e carattere, non sono infatti solo le protagoniste di una gradevole storia sentimentale e moraleggiante, costellata di episodi ora buffi e vivaci, ora patetici e romantici. Nelle loro vicende , in un' America che sta uscendo dalla guerra civile abbandonando le illusioni dei padri fondatori ed in cui le differenze sociali e di genere si vanno consolidando, il libro della Alcott è sorprendentemente anticipatore , infatti, di inquietudini e tensioni ideali verso una vita più giusta ed autentica, verso un mondo più egualitario nei rapporti tra uomini e donne, che daranno vita, nei decenni successivi , a robuste correnti di pensiero e di azione fino all'odierno femminismo.Essere povere e donne, con un padre in guerra, negli anni sessanta del secolo XIX, è un'aspetto del libro non secondario, anzi il necessario contesto per dare un senso meno epidermico all'ascesa personale, sociale e professionale, sognata e tenacemente perseguita dalle "piccole donne". Ecco allora che il film della Gerwig prende intelligentemente le mosse dall'aspirazione letteraria di Jo ( in cui si delinea la figura della stessa Alcott ), una Jo che vediamo, all'inizio del film, già a New York  ad intraprendere una problematica carriera di scrittrice. E si conclude proprio quando Jo, sposate Meg ed Amy, morta prematuramente Beth- il personaggio più fragile e toccante - può dare alle stampe il libro in cui ha adombrato autobiograficamente le vicende della sua famiglia. E all'interno di questo percorso circolare, imperniato sulla figura  " forte " ed emblematica dell'intera storia raccontata dalla Alcott, ecco collocati i vari episodi significativi del libro. Non più organizzati, come si diceva, secondo l'ordine originario , in un rigida successione temporale, ma evocati  più liberamente di volta in volta dai sentimenti , dal ricordo, dalle emozioni dei vari personaggi , in una serie spesso di " flash back", di visioni retrospettive. Procedimento che può leggermente lasciare perplesso, all'inizio, lo spettatore. Ma che si rivela man mano quanto mai funzionale, fluido e scorrevole, per ricomporre nella giusta prospettiva episodi, situazioni e stati d'animo che fanno di questo piccolo-grande libro un testo  autenticamente " moderno ".

L'eccezionale bravura di Greta Gerwig nel dare vita ad una versione cinematografica estrememamente convincente di " Piccole donne " e, nel contempo, ad una opera personalissima e sofferta qual può essere la storia di giovani donne che aspirano a misurarsi con il potere ( economico e/o patriarcale ) per realizzare le loro aspirazioni, risiede innanzitutto nella sceneggiatura, come si è cercato di spiegare. E la Gerwig, autentica cineasta " globale " ( sceneggiatrice, regista ed in passato anche attrice ) ha " scritto " un film cucito a meraviglia in tutte le sue parti, solido e coeso, ironico e pensoso al tempo stesso. Ma dove forse è stata ancora più brava è nella regia. Fatte le sue esperienze iniziali di direzione con un discreto primo lungometraggio due o tre anni fa, " Lady Bird ", che rievocava la sua adolescenza in California, qui la Gerwig ci offre immagini davvero sontuose, di rara armonia plastica, di una sapiente eppur istintiva composizione: figure umane che acquistano rilievo quasi tridimensionale tanto sono vive e palpitanti, interni ed esterni di struggente bellezza, movimenti scenici di un ritmo e di un brio che li assimila - è stato giustamente notato - a quelli di un " musical ", senza canzoni ma con un commento musicale di grande finezza.  Se  dirigere un film vuol dire, nella terminologia francese , " mise en scène " credo che pochi, in questa stagione ( forse Gray, Eastwood o Allen per rimanere negli USA ) hano saputo come lei far letteralmente balzare fuori del quadro, per la loro immediatezza evocativa, personaggi ed ambientazione. E che dire della recitazione, cui va reso egualmente un vibrante omaggio per l'esito trionfale del film .Jo è Soirse Ronan, ormai matura ( a soli 25 anni ! ) per personaggi sempre più complessi e le sue sorelline ( tra cui la migliore è Amy, nel mondo Florence Pugh ) tutte molto brave. Accattivante, e molto personale, l'interpretazione della veterana Laura Dern nella parte della Mamma. Saporito il " cameo " di Zia March della grande Meryl Streep. Ma il  più interessante come recitazione mi è sembrato Timothé Chalamet ( il giovane protagonista di " A rainy day in New York " ) davvero abile ed ispirato nell'ingrata parte del ricco Laurie. Scenografie e costumi  non solo di maniacale precisione nel riprodurre l'epoca della vicenda ma appropriati, come tono, tinte, volumi, in ciascuna scena. Fotografia, infine , calda , avvolgente, ora luminosa ora ricca di ombre e di contrasti, quali poche simili si son viste in questa stagione. In definitiva, un film davvero bello ed intelligente, da salutare come l' epifania di una eccezionale autrice di cinema.

Please, find here my short commentary in English on the film :

" Little Women " by Greta Gerwig, young and talented screenwriter and movie director, innovates on the traditional way of adapting for the screen Louisa Alcott's novel ( the most celebrated version being Merwin Le Roy's one,  shot in 1949,  starring June Allyson, Elizabeth Taylor, Janet Leigh, and an incredible Rossano Brazzi in a " cameo " role). Instead of following, step by step, the succession of episodes related in  the book, the film takes more than some narrative and visual liberties  reconstructing in a very personal mode the atmosphere and the significance of the story. Picture of an emerging, more conscious and self-liberating womanhood  in the midst of the  American Civil War, this " Little Women " is nevertheless a warm, intimate tale of love, dedication to family values and yet aspiration to success, money and...power ( women power, of course ). Beautifully directed, rich in superb and superior images, the actors are outstanding, starting with Saoirse Ronan ( Jo ) with the remarkable presence of Timothé Chalamet ( Laurie ) and veteran actresses Laura Dern and Meryl Streep. Design, photography and musical score all  deserving a particular mention.


Veuillez trouver, s.v.p. mon court commentaire en francais sur le film :

" Les filles du docteur March ", livre de chevet de plusieures générations de jeunes filles ( et de quelque garcon ) a été transposé à l'écran maintes fois. Cette dernière version , qui porte la signature ( scénario et mise en scène ) de la jeune et très douée cinéaste américaine Greta Gerwig, est la plus bouleversante de par sa liberté et modernité de ton. Au lieu de suivre la stricte succession des épisodes du livre, Gerwig réconstruit , pour ainsi dire,un itinéraire plus correspondant à la géographie intime des  sentiments et des  idéaux arborés par les différents personnages , en particulier Jo, l'écrivain en herbe qui reve d'une carrière dans la littérature. Il en sort non sulement une histoire passionante de croissance humaine et professionelle de jeunes créatures de la gens féminine, mais aussi un film ironique et vibrant, riche en description somptueuse d'une époque, merveulleusement juste et bien joué par les différents acteurs. Si à ca et à une mise en scène d'une étonnante beauté visuelle on ajoute de décors très soignés, une musique bien captivante et une superbe photographie, on aura là un véritable , petit chef-d'oeuvre.

" 1917 " di Sam Mendes ( Gran Bretagna / USA, 2019 )

L'ultimo film di Sam Mendes (il regista di " American Beauty " nel 1998 e, più di recente, di  un paio di James Bond ) sta avendo dovunque, in questo mese di gennaio, un successo strepitoso. La critica - almeno quella che si è espressa sin qui - lo va incensando come una sorta di capolavoro. Il pubblico riempie le sale per vederlo e, anche qui in Italia,questo  "1917 " promette di raggiungere e superare un autentico primato di incassi. Mi dispiace quindi, sinceramente, dover ammettere che a me non è piaciuto  per niente. Sarà un mio difetto ma sono rimasto estraneo al fascino che, sento dire, il film eserciterebbe su chiunque lo vada a vedere. E il mio atteggiamento, vi assicuro, non è figlio di una sorta di pregiudizio sfavorevole verso i film che ottengono grande successo di cassetta riscuotendo nel contempo i giudizi entusiastici degli addetti ai lavori . "La dolce vita" di Fellini, esattamente sessant'anni or sono nel febbraio del 1960 suscitò, appena uscito, grandissimo clamore per le novità di forma e di contenuto e piacque tremendamente al pubblico ( tra cui, emozionato  nella folla del cinema "Fiamma " di Roma, c'ero anch'io). Un film che è graditissimo a folte schiere di spettatori non può essere etichettato, per questo, sempre e solo come un "film di cassetta" . Né la circostanza che i primi giudizi critici siano molto favorevoli  è un motivo per pensare ad una sorta di cospirazione volta, mentendo spudoratamente, ad amplificarne il successo commerciale. Penso piuttosto, in questo caso, ad una sorta di diffuso equivoco  sulla natura del cinema come forma di espressione o, se preferite, di nebbia estetica e morale che ha causato qualche confusione e che, per fare chiarezza, occorrerà  dissipare.

 Il film - ormai anche chi non lo ha visto ne è al corrente - è la storia di due giovanissimi soldati inglesi incaricati,  sul fronte francese durante la prima guerra mondiale, di una missione davvero "impossibile". Contro i mille pericoli costituiti da un nemico insidioso e contro il poco tempo a disposizione essi, soli, appiedati e senza alcun supporto, debbono raggiungere infatti prima dell'alba un altro reparto del loro esercito per avvertirlo di non attaccare, contrariamente agli ordini ricevuti in precedenza, lo schieramento tedesco evitando così di cadere in un mortale, sopravvenuto tranello.Per le due ore o poco più di durata del film la cinepresa bracca letteralmente i due soldatini nella loro affannosa missione mediante quello che sembra un unico, ininterrotto "piano sequenza" ( cioè una ripresa senza " stacchi " da una inquadratura all'altra, fluida e continua , con la cinepresa che si muove all' interno del piano medesimo per seguire i movimenti dei personaggi e lo sviluppo dell'azione ).In realtà, come risulta  evidente, il " montaggio " c'è anche qui, appena mascherato, anche se le inquadrature restano insolitamente lunghe e costituiscono comunque un risultato tecnico non indifferente. L'obiettivo insito in  una scelta formale come questa è quello, intuitivamente, di coinvolgere maggiormente lo spettatore, di farlo sentire come se vivesse realmente gli avvenimenti raffigurati sullo schermo : emozionarlo, impaurirlo, condurlo conseguentemente ( si presume ) a riflettere sull'orrore e l'inanità della guerra, ogni guerra. Bene, non sarò certo io a condannare finalità di questo genere. I film di guerra e quelli, tra di essi, apertamente antimilitaristi sono una folta schiera e vi si annida più di un capolavoro.Il primo nome ad emergere, visto che si parla della " grande " guerra, è quello di "Orizzonti di gloria ", lo splendido film di Stanley Kubrick, girato nel 1957 ed ambientato su quello stesso fronte francese dove si svolge l'azione di "1917". Fare confronti è sempre un tantino ingeneroso e non tiene conto dell' " unicum " che in fondo rappresenta ogni film , come del resto ogni altra opera d'arte. Eppure, come non rifarsi al film di Kubrick- esteticamente superbo, rapido ed asciutto, ideologicamente coerente ed onesto - per accorgersi di quanto il film di Mendes sia figurativamente debole e politicamente inconsistente. Con grande economia di mezzi, uno stile semplice eppure potente,  "Orizzonti di gloria " ( che ha anche al suo interno uno o più,  ma ben  contenuti, piani-sequenza nelle trincee di ardimentosa bellezza ) riusciva a far condividere allo spettatore emozionato e sconvolto un sicuro, forte sentimento antibellicista. " 1917 ",con tutto il suo sfoggio di bravura formale e di orrori di ogni sorta, non riesce che ad ingenerare reazioni di epidermica paura, quasi fossimo entrati in uno di quegli innocui  " tunnel dell'orrore " che abbondavano un tempo in ogni luna-park, e a sollecitare, al più,  la scontata sensazione dello spettatore che è certamente meglio starsene sul divano di  casa propria ( o su una comoda poltrona di cinema ) che andare in guerra  a rischiare la pelle .

Spettacolare, nel senso più strettamente letterale del termine, il film lo è certamente. La bravura dell'operatore alla cinepresa- che ha certamente, specie all'aperto, dovuto sormontare difficoltà non indifferenti - è fuori discussione. Ma il partito preso formale del regista, quel lungo vero o falso che sia piano-sequenza, è esteticamente e ideologicamente valido ? Riesce a comunicarci, come probabilmente vorrebbe, un vero senso di sgomento e di angoscia e, insieme, il ripudio della violenza bellica, della inutile , sanguinosa " matta bestialite " che assale l'uomo quando va in guerra ? Sulla scorta di quanto ho visto e "non" provato, ne dubito fortemente.La tecnica di per sé non è sufficiente per convincerci delle intenzioni dell'autore. Queste possono anche essere "vestite" da questa o quella inquadratura, dal ritmo impresso alla successione delle sequenze, dal tono generale del  film così come emerge dalla fotografia, dalla scenografia, dalla musica, dalla stessa recitazione. Ma " dietro " , o meglio " prima ", occorre pure che a sorreggere la tecnica vi siano - e siano appunto visibili, almeno in filigrana - le " ragioni morali " ( nel senso della specifica visione della vita, con il bene , il male, il peccato, la redenzione eccetera ) che l'artista non può non avere ed è naturalmente portato, quando è vero artista, a riversare nella propria opera. Non so più quale critico francese ( forse André Bazin ) dicesse una volta che, al cinema,   " il travelling implica una morale ".  Intendeva così sottolineare che la tecnica, anche quella apparentemente più neutra ( il " travelling " è il movimento della macchina da presa impiantata su di una rotaia scorrevole per poter effettuare, appunto, una carrellata laterale, oppure in avanti o all'indietro ) deve corrispondere ad un preciso " punto di vista " ideologico del regista. Qui , purtroppo, Mendes non è  minimamente riuscito ad uscire dalla trappola di una bravura tecnica fine a sé stessa, avulsa da qualunque contenuto morale. Incapace di trasmettere autentiche emozioni perchè privo, all'origine, di una visione che superi l' angusto ambito della " forma " nel quale ha scelto di confinarsi. Film " di " violenza più che " sulla " violenza , semplice " avatar ", a tratti, delle figure iperrealistiche di tanti video-giochi che concorrono oggi a formare l'immaginario visuale dello spettatore medio, specie il più giovane, " 1917 "  resta ancorato ad un " significante " inibito di qualunque significato. Paradigma di morte che non trova riscatto in nessuna speranza di vita, cinema spogliatosi di qualunque trascendenza,  mezzo di espressione irrimediabilmente senza uno sbocco.

Please find here a short commentary in English on this film :

" 1917 ", the latest film by the english director Sam Mendes ( " American Beauty ", "Revolutionary Road " ) is having considerable success both by the public and the critics. As a matter of fact, this story of the First World War is purely based on technical elements of  some interest ( an apparent long single frame shot following two british soldiers on a dangerous and frightening mission ). What is totally missing here is a " vision " that might raise the film to something more substantial and morally consistent than some kind of " video-game ",  less a violent film than an appropriate reflexion on violence itself. Pity, "1917" ( candidate to 10 Academy Awards ! ) will not last in our memory of cinema lovers.


Veuillez trouver ci-dessous s.v.p. un court commentaire sur ce film en francais :

" 1917 ", dernier film de Sam Mendes, directeteur anglo-américain plutot controversé, est une grande déception. Pourvu d'une technique époustouflante ( tourné en digital, on le dirait  fait, en grand partie, d'un très long plan-séquence en extérieur qui a du surmonter pas mal de difficultés pour etre réalisé ) il est tristement dépourvu de toute " vision " personnelle sur la guerre et la violence qui puisse l'élever du statut de simple avatar des pires vidéo- jeux à  une véritable  réflexion sur ce qui emmène l'homme à tuer d' autres hommes. Dommage, voilà un film qui ménace de rester fort peu de temps dans la mémoire du spectateur cinéphile.

" RICHARD JEWELL " di Clint Eastwood ( USA, 2019 )

Clint Eastwood, il veterano attore-regista statunitense ( quest'anno festeggia 90 primavere !) negli ultimi tempi si è dedicato a portare sullo schermo storie di vita vissuta che hanno al centro persone comuni, uomini della strada che hanno impresso, ad un certo punto,complice il caso, una svolta alla loro esistenza raggiungendo, nel bene e talvolta nel male, una improvvisa notorietà. Dopo " Sully "  ( 2016 ), la vicenda del coraggioso pilota che salva un aereo con tutti i passeggeri in un ardimentoso ammaraggio sul fiume, "Ore 15.17 -Attacco al treno " ( 2017 ), l'attentato terroristico al TGV Parigi-Amsterdam sventato da tre coraggiosi giovanotti, " The mule- Il corriere della droga " ( 2018 ) sulla incredibile " performance " di un ultraottuagenario entrato al servizio di un cartello di spacciatori internazionali, ecco ora la sua ultima fatica degna di un' autentica " realtà romanzesca ". Qui, a dir il vero, più che ad un "exploit " del personaggio principale, assistiamo soprattutto al calvario che questi deve affrontare per la stupidità e la malevola stoltezza delle autorità. Stiamo parlando dell'episodio avvenuto ad Atlanta nell'estate del 1996 quando dei terroristi misero una bomba in un parco dove erano riunite migliaia di persone in festa per i Giochi Olimpici che si svolgevano in quella città facendo solo due morti ed un certo numero di feriti grazie all'intelligenza e alla prontezza di riflessi di un semplice addetto alla vigilanza, tale Richard Jewell, che scoprì in tempo l'infernale congegno e riuscì a limitarne l'effetto. Nel film vediamo come Jewell, salutato dapprima come un eroe  per il suo coraggio ed il suo spirito di abnegazione, venga in un secondo momento incredibilmente  sospettato  dalla polizia federale di aver messo lui stesso la bomba , da solo o con complici. Indagato, sottoposto ad ogni sorta di umiliazione e di stress anche a causa di mezzi di informazione spicci e faciloni,  se la caverà grazie all'intervento di un avvocato amico che riesce a dimostrare, non senza fatica, la sua totale estraneità alla delittuosa macchinazione. Arrestati i veri autori della tentata strage, Jewell, provato probabilmente dalla tristissima esperienza,  morirà qualche anno dopo.

Ipernazionalista ( ha una bandierina a stelle e strisce sulla porta di casa ) ciecamente fiducioso nei poteri costituiti ed in particolare nelle forze dell'ordine, con un passato lavorativo tutto nei servizi di sorveglianza e qualche infortunio per eccesso di zelo nel far rispettare " law and order ", Jewell è il perfetto " sospettabile " per un attentato che da subito viene ( correttamente ) attribuito ad ambienti di estrema destra. Il famigerato " profiling " di cui si avvalgono gli agenti federali che conducono l'inchiesta , in pratica il tracciare una sorta di " identikit " ideologico-comportamentale, il profilo appunto del possibile reo, e poi l'applicarlo acriticamente alla persona che più viene ritenuta corrispondervi, condanna in partenza il nostro uomo. Figurarsi, in casa ha un vero arsenale di fucili da caccia e pistole di ogni genere (in Georgia, dove si svolge l'azione, è peraltro legittimo possederli ) ed in più Jewell, un tipico ciccione mangiatore di "junk food " timido e solitario, a trentatré anni vive ancora con la madre ed ha quella "brutta" ossessione per il rigore e la precisione che, agli occhi dei più "scafati " poliziotti e giornalisti, deve proprio sembrare una intollerabile aberrazione. Ecco così che la storia, nella raffigurazione che ne fa Eastwood, diventa anche la contrapposizione tra  un personaggio fondamentalmente " buono ", onesto ancorchè limitato, e l'attuale "deriva" della società verso costumi più liberi e mentalità pericolosamente  meno esigenti, meno responsabili , esplicitate queste ultime da un agente federale tanto ottuso quanto pigro e da una giornalista assetata di successo e dalle abitudini morali quanto mai disinvolte.

E' evidente che il film , ancora una volta,non piacerà a coloro che rifuggono dal cinema di Eastwood, considerandolo un ricettacolo di pseudoconcetti  iperconservatori e contrari al "progresso ". Innegabile, indubbiamente, che a Clint gli spregiudicati antagonisti di Jewell  debbano piacere assai poco. Comprensibile quindi che , in questa storia di un povero ciccione ancorato ai valori del passato,egli  vi abbia visto anche il mezzo di celebrare una volta di più l'America profonda,  non intellettuale, semplice e fedele ai propri convincimenti tradizionalistici che, da " Gran Torino " ad oggi, gli è particolarmente cara. Ma sbaglierebbe chi non riuscisse a vedervi , ancor prima e soprattutto, il ritratto di un più ampio antagonismo tra, da un lato, i " poteri forti " ( il Governo federale- non dimentichiamoci che siamo nel Sud libertario e che la bandiera di " Dixie " occhieggia dovunque - ed i "media" ) e, dall'altro, il comune cittadino, l'uomo semplice che rischia di rimanere schiacciato da un ingranaggio più potente di lui nella sua cieca indifferenza. Un tema , questo, che è in realtà sempre attuale e che fece, a suo tempo, la fortuna di tanto buon cinema americano progressista  (" Arriva John Doe " , " Lo stato dell'Unione " ). E soprattutto sbaglierebbe chi si ostinasse a non riconoscere, nel cinema di Eastwood, quel respiro, quella maniera di affrontare le storie ed i personaggi con passione, impegno e classico rigore che , in certe scene ( penso agli interni, caldi, intimi, descritti con amorevole attenzione, della casa della mamma di Jewell ) lo avvicinano- non voglio esagerare- al miglior John Ford, poniamo, di "Sentieri selvaggi ". Il suo inconfondibile stile, il suo modo di filmare, sontuoso e fluido al tempo stesso, il " pathos " intimistico e sommesso che riesce ad infondere nella materia che tratta, dovrebbero ormai aver convinto anche i più scettici che Clint Eastwood è il degno erede della grande tradizione cinematografica americana.

Interpretazione molto buona ( Kathy Bates, la mamma, è candidata all' Oscar ) la fotografia è degna di particolare lode ed il commento musicale quanto mai delicato ed appropriato.

Please find here a short commentary  in English on the film :

" Richard Jewell ", the latest film by Clint Eastwood, is a true story ( The Atlanta bomber at the Olimpic Games of 1996 ) wich allows the veteran movie director to create a new  portrait of the antagonism between the old traditional  "national " values and a more open, "swinging" modern society. Jewell,  becomed a suspect terrorist for his " profile " but who is totally inocent, struggles against a power ( The F.B.I., the media )  wich turns out inconsistent and ideologically biased. Eastwood's filming is warm, passionate , yet soft  and classical in the best tradition of the great american cinema. To be seen by every dedicated moviegoer.

Veuillez trouver ci-dessous un court commentaire en francais sur ce film :

" Richard Jewell ", le dernier film de Clint Eastwood, rénoue avec la grande tradition du cinéma  "civique" américain : celui de  Ford et de Capra, cher à la  mouvance " liberal " comme à celle plus conservatrice mais soucieuse de la liberté de l'individu face aux pouvoirs publics. A travers l'histoire d'un pauvre homme de la rue, nationaliste et aimant la loi et l'ordre, qui sauve ses concitoyens des conséquences d'un grave attentat à la bombe  (nous sommes aux Jeux Olympiques d' Atlanta en 1996 ) mais qui est, par la suite, soupconné  d' en etre parmi les responsables simplement à cause de son " profil " idéologique, Eastwood nous donne un ennième essai de sa profonde maitrise du moyen cinématographique et de sa connaissance de l' Amérique profonde ( celle, entre autre, qui aime particulièrement ses films ! ). Tourné d'une facon superbe, chaud et lumineux, voilà un film qui va nous réconcilier, toutes tendances idéologiques confondues, avec un  cinéma humaniste et honnete.

" HAMMAMET " di Gianni Amelio ( Italia,2020 )

Ecco un film che farà molto discutere ( sempre che piuttosto non si tenti abilmente di condannarlo al silenzio, visto che l'argomento è dei più scomodi che ci siano ). A vent'anni esatti dalla morte, avvenuta in Tunisia, nella località marina di Hammamet, la figura politica ed umana di Bettino Craxi è ancora delle più controverse ed il solo evocarla, sia pure con l'equilibrio e il distaccato pudore con cui qui lo si fa, crea disagio in molti ambienti. Peccato, perché si corre il rischio di identificare il film con il suo personaggio e invece di usare gli strumenti della critica estetica si finisce col ricorrere insidiosamente - sia pure camuffate da parametri di carattere formale - a categorie moralistico-giudiziarie che nulla hanno a che fare con un'opera che oltretutto non è né un racconto biografico né un documentario storico. Le prime reazioni che si sono potute riscontrare al riguardo ( auguriamoci che poi la musica cambi ) non lasciano in effetti ben sperare. Il film è stato tacciato di " ambiguità ", " incompiutezza ",  " confusione ", aggrappandosi coloro i quali lo hanno accolto in questo modo  ad una pretesa oscurità contenutistica nonché, qui sta il punto, ad uno scarso approfondimento del Craxi politico che costituirebbe uno dei suoi difetti principali. Tradotto in soldoni, " Hammamet " avrebbe il torto di aver  disotterrato  le ossa del defunto leader socialista senza intentargli quel processo postumo  (con sentenza scontata ) che parrebbe d'obbligo se proprio si vuole avere il " cattivo gusto " di rievocarne l'immagine.

A dimostrare quanto invece le preoccupazioni del film stiano altrove, ricorderemo che l'unica e breve sequenza, collocata all'inizio del film, che ricostruisce un momento più propriamente " partitico " della intera vicenda di Craxi  ( quel congresso socialista del 1989 che segnò il suo apogeo ) appare tutt'altro che trionfalistica, mentre ad essa fanno da contestuale contrappunto i dubbi di un vecchio militante che, prefigurando quasi l'imminente catastrofe,   mette in guardia il " leader " dagli eccessivi ed infidi consensi provenienti da ambienti che poco hanno a che fare con le tradizionali posizioni progressiste. Poi tutto il resto del film  si concentra invece sulla parabola discendente di un uomo stanco e precocemente invecchiato. Riparato all'estero nel periodo più infuocato e confuso della resa dei conti, è ormai un vinto. Ha perso il potere, le coperture di cui poteva disporre, una buona parte degli amici.  Si trova in una sorta di esilio più o meno dorato, incompreso e addirittura sopportato talvolta dai suoi stessi familiari,  ancora bersaglio degli attacchi di quei  concittadini convinti che una buona parte dei mali  del paese dipendano dal suo trascorso sistema di governo. Malato, impossibilitato a curarsi adeguatamente, il " presidente " ( nel film non lo si designa mai con il nome, quasi a conferire un significato più ampio alla sua condizione umana ) finirà i suoi giorni senza aver potuto far conoscere la sua versione di come siano andate propriamente le cose e senza aver potuto chiarire ( forse, ancora prima che agli altri, a sé stesso ) la propria particolare concezione del potere  e del rapporto tra governanti e popolo, la lotta politica e il denaro. Sì,un film " politico ", se proprio si insiste sul termine, ma in senso meno scontato e ristretto di come qualcuno vorrebbe. Dovremmo definirlo, piuttosto, un racconto filosofico ed umano, costantemente trascendente il mero punto di partenza cronachistico. "Finzione " quindi,  quale sempre al cinema diventa anche la più nuda ed essenziale delle verità perché trasfigurata dall'arte e dal significato universale che ogni vicenda finisce con l'assumere una volta  rappresentata sullo schermo.

 " Hammamet ",sceneggiato e diretto da Gianni Amelio ( il regista oggi settantacinquenne che quasi quaranta anni fa ci dette un magistrale film sul terrorismo, " Colpire al cuore " ) è un ottimo prodotto di quel cinema psicologico- ma con robuste venature politiche e sociali - che ha fatto, nei suoi anni migliori, le fortune del cinema italiano e che da un po' di tempo sembra appannaggio di altre cinematografie, ad incominciare da  quella francese. Lineare nella sua progressione drammatica, fluido e vigoroso al tempo stesso,il film dipinge con tinte calde e vibranti, sempre esteticamente molto convincenti perchè coerenti con il proprio punto di vista morale, la decadenza di un uomo. Senza giudicare, senza esaltare o condannare, non prendendo partito, limitandosi a registrare l'umana, comprensibile autodifesa di un potente  abbandonato da tutti. Forse colpevole , forse no. Ma degno egualmente della " pietas " di cui il vero artista circonfonde i propri personaggi.Ne vien fuori un ritratto singolare di "uomo in rivolta ", prima di tutto con sé stesso. Un ritratto che  non si impantana mai - salvo forse nel finale, leggermente fuori tono - nei meandri di una indagine  forzatamente a tratti  complessa e apparentemente contraddittoria ( se Craxi si sentiva innocente, non avrebbe fatto meglio a rimanere in Italia per  difendersi dalle accuse che gli erano state mosse ? ). Corposi e ben calibrati la maggior parte dei personaggi di contorno, il film necessitava forzatamente, per il coraggio dimostrato nell'affrontare un argomento così scottante,  di una grande capacità di resa del personaggio principale che si caricasse sulle spalle l'intero significato del film ( che non è "ambiguo " , bensì poliedrico e volutamente ridondante ). Lo ha trovata nella eccezionale , efficacissima, sorprendente interpretazione di Pier Francesco Favino. Appena reduce dalla impressionante incarnazione di Tommaso Buscetta ne " Il traditore " di Bellocchio, l'attore si è calato perfettamente nella nuova parte. Fisicamente aderentissimo, grazie anche al trucco superlativo,al proprio personaggio, dovremmo dire che più che di mera, totale somiglianza, si dovrebbe parlare qui di una reinterpretazione dal di dentro della figura dello statista milanese. Una  appropriazione totale che non ne rende, soltanto, perfettamente i gesti o il tono di voce ma lascia quasi intravedere i meccanismi interni, logico-psicologici che conferiscono alla figura del " leader " quella sua particolare valenza che ne ha probabilmente segnato la parabola umana e professionale.


Please find here a short commentary in English on this film :

Hammamet is a little town on the tunisian mediterranean shore. Twenty years ago a former italian prime minister, the socialist party leader Bettino Craxi, accused of bribery and handling of illegal funds, forced to fly abroad to escape judicial proceedings, died there. The film, bearing the same title, is not an ordinary biopic or an historical survey of Craxi's exile in Tunisia. It is more a philosophical and political  ( in the broader sense ) picture of a defeated man. Craxi ( called in the film simply as " the president " ) is the prototype of a man who,at the end of his life, realizes the vanity of power and the impossibility of building something durable. The film , by senior movie director Gianni Amelio, is beautifully shot in a vibrant and solid way and has a great comedian, Pier Francesco Favino, interpreting Craxi with a stunning resemblance to his character, both externaly and internaly. Two thumbs up !


Veuillez trouver ci-dessous un court commentaire sur ce film en francais :

" Hammamet " , le dernier film de Gianni Amelio, metteur en scène chevronné auquel nous sommes débiteurs d'un beau film sur le terrorisme ( " Frapper au coeur " , 1982 ) risque de devenir un sujet de scandale en Italie, si un silence hypocrite n'essayera pas plutot de l'effacer du débat publique. Tant le souvenir de l'ancien prémier ministre  Bettino Craxi, accusé il y a plus d'un quart de siécle de trafic d'influence et de financement illégal du parti socialiste et mort dans ce lieu touristique en Tunisie ou il s'était réfugié, est encore sulfureux dans la péninsule et l'opinion publique italienne douteuse et très divisée.
Le film , néanmoins, est très réussi dans la mésure ou il est evite la plus part du temps  de s'enliser dans un discours lié à la cronique politique de l'époque et cherche plutot à entamer une véritable réflexion sur le pouvoir et l'inanité pour l'homme de toute tentative de batir quelque chose de durable. Très soigné dans sa forme, le film est vigoureux et subtil en meme temps, avec une interprétation epoustouflante de l'acteur qui interprète Craxi , Pier Francesco Favino : oui , le meme qui a donné son corps et sa voix d'une facon admirable au personnage de Tommaso Buscetta, le " Traitre " de la mafia dans le film homonyme  de Marco Bellocchio, présenté à Cannes en juin dernier.

" PINOCCHIO " di Matteo Garrone ( Italia,2019 )

" Pinocchio " di Carlo Collodi non è soltanto uno degli indiscussi capolavori della letteratura per l'infanzia. E' anche un bellissimo libro che si può leggere ( o rileggere ) a qualsiasi età. Benedetto Croce, che non fu sempre tenero con le opere letterarie del suo tempo, gli dedicò espressioni di sincero apprezzamento. Opera che può essere accostata per fantasia di ispirazione e libertà di svolgimento narrativo a due altre grandi creazioni, "Alice nel paese delle meraviglie" e "Peter Pan", essa trae peraltro parte del  fascino e della forza dal robusto ancoraggio ad una realtà ben precisa e nient'affatto secondaria: quella dei paesini e delle campagne di una "Italietta " povera, postunitaria e tesa nel disegno di " fare gli italiani " anche attraverso una narrazione di sè  che desse vita ad una sorta di immaginario letterario nazionale. Immaginario qui dalle tinte prettamente toscane, s'intende, ma estensibile a tutto il Paese, stante le condizioni sociali del tempo, ancora piuttosto omogenee da Nord a Sud. E bene ha fatto Matteo Garrone- e qui vengo al film odierno - a sottolineare il limpido fondo regionale del libro (con la scelta del fiorentino Benigni come Geppetto, con la descrizione puntuale e riconoscibilissima di un contesto geo-culturale piuttosto tipicizzato ) senza trascurare però la possibilità di ricondurlo - oltre la stessa valenza fantastica -  a qualunque altra zona d'Italia. E di qui, ad esempio, un  protagonista Pinocchio che non parla con un accento o una cadenza immediatamente decifrabili nonchè vari personaggi minori i quali, nella loro caratterizzazione popolaresca, sembrano a volte  provenire più dalle aree periferiche del Lazio o  della Campania ( usciti , si direbbe quasi con quei volti, da " Gomorra " o da " Dogman " dello stesso Garrone) che dalle rive dell' Arno. Non ne soffre certo l'ambientazione veritiera che pure, nel libro e nel film,  mantiene la sua indiscutibile importanza. Ne guadagna invece il carattere universale che il significato dell'opera indubbiamente riveste.

Il più significativo " precedente " cinematografico in tema  rimane ad oggi  il film di Luigi Comencini ( 1972 ) mentre né al " Pinocchio "  del 1940 ideato da Walt Disney, che è uno splendido film di animazione ma non può avere ambizioni maggiori, né ad un " Pinocchio "  supponente e mal riuscito  con la regia dello stesso Benigni ( 2002 )  credo convenga  far riferimento. Quello di Comencini , concepito originariamente per la televisione  in sei puntate e poi ridotto molto abilmente in una durata di due ore per il grande schermo, è filologicamente più aderente al libro  ( di cui riprende oltretutto il titolo esatto, " Le avventure di Pinocchio " ) e ha anch'esso un'ambientazione di sapido e amorevole realismo: sembra veramente che il paesino di Geppetto e di Mastro Ciliegia non si trovi solo nella fantasia di Collodi ma esca paro paro da una Toscana ruvida e senza tempo. Fornito di un ritmo sostenuto, solido nella sceneggiatura, è anche assai veritiero nella descrizione dei personaggi. Geppetto è un Nino Manfredi molto indovinato per la parte, toccante nella sua umanità indifesa. Il gatto e la volpe, nonostante le loro lunghe code, sembrano proprio poveracci scartellati come se ne potevano ancora incontrare una volta nelle campagne, resi come sono, con la consueta abilità mimica e vocale, dal duo comico Franchi e Ingrassia. La fata dai capelli turchini è una Gina Lollobrigida un pò troppo cresciuta per il ruolo ma di soave ed incorrotta bellezza. il film, come il libro,  ha ambizioni di apologo morale per tutte le età ed è soffuso da un'aura malinconica che accresce il pregio della narrazione.

Il film di Garrone - figurativamente splendido sia pur con qualche abituale indulgenza per lo "strano"  e il deforme - recupera maggiormente, rispetto alla versione precedente, la dimensione favolistica del libro di Collodi che in Comencini veniva forzatamente un pò negletta   a causa della scelta di far interpretare Pinocchio ad un vero " bimbo "  in carne ed ossa e  per di più toscanissimo, dando  il là in questo modo ad una ricostruzione in chiave prevalentemente naturalistica. La versone di Garrone ci riporta invece , attraverso  i trucchi e gli effetti speciali del cinema di oggi, allo stupore ed alle emozioni dell'infanzia , quando lo leggemmo, o magari ci fu letto, per la prima volta. La stessa campagna in cui è ambientata la vicenda, pur veritiera e riconoscibile, acquista qui un che di fantastico, o di iperreale se preferite, che  suggerisce una interpretazione di "Pinocchio " come una sorta di " mito " o di racconto iniziatico, quello del bambino che faticosamente, attraverso molte prove ed errori, accede finalmente all'età adulta ( il burattino di legno che finalmente si fa carne, assume forma umana ma esce così dal sogno e dall'illusione che la vita sia appunto una favola con il lieto fine obbligato ).

Accanto alla dimensione favolistica il " Pinocchio " di Garrone introietta una ancor più  chiara valenza psicologica. Da un lato il desiderio primigenio di tutti i  padri  (Geppetto, più padre ancora di un genitore carnale ) di avere un figlio, necessariamente percepito come una proiezione di sè , quasi la " cosa " ( il burattino ) che il " pater faber " si fabbrica a sua immagine e somiglianza e che intende indirizzare e guidare nel  difficile itinerario nel mondo. Dall'altra, quasi specularmente, il desiderio di emancipazione dei figli, portati ad eludere progressivamente le direttive paterne e ad affermare la loro autonoma individualità. Ed il film, pur senza eccedere in questo tipo di lettura, la fa propria e la integra armoniosamente nel proprio tessuto narrativo, evidenziando man mano l'insopprimibile tensione tra autorità e libertà che è sottesa ad ogni percorso di crescita.  Geppetto ( davvero un ottimo Benigni, mai così equilibrato eppur drammaticamente efficace come  qui ) e il burattino-aspirante bambino Pinocchio risultano i due poli di un apologo privato ( il rapporto padre-figlio ) che il risvolto pubblico ( un mondo spesso gretto e piccino ma capace a volte di gesti di bontà e di manifestazioni di affetto ) si incarica di rendere ancora più tormentato ma infine vittorioso.

Bel film , dunque, che  riconferma la capacità visionaria e la perfetta padronanza del mezzo cinematografico raggiunte da parte di quello che è oggi il migliore dei nostri registi della generazione dei quaranta-cinquantenni. Dopo le precedenti prove ( ancora "Gomorra " e " Dogman " su tutte ) il nuovo film di Matteo Garrone testimonia in effetti la personalità di un eccellente cineasta, capace di sposare le esigenze dello spettacolo con la raffinatezza di una ricerca artistica costantemente rinnovantesi." Pinocchio " potrebbe sembrare  di per sé un banco di prova tutto sommato facile, votato oltretutto ad un sicuro successo di pubblico, grande e piccino. Alcune delusioni del passato, a fronte di sforzi artistici e produttivi tutt'altro che inadeguati sulla carta, mostrano quanto sarebbe affrettato un giudizio del genere e quanto delicata si avveri al contrario l'impresa di venire a capo di un capolavoro letterario come questo. E l'assai soddisfacente risultato raggiunto da Garrone, unito al grande riscontro che sta avendo il film  in termini di platee stracolme, non fanno che rendere ancora più benvenuta e meritoria questa autentica boccata di ossigeno per un cinema italiano orfano ancora dei suoi " mostri sacri ".


Veuillez trouver, s.v.p. ci -dessous un court commentaire en francais sur le film :

" Pinocchio " au cinéma était jusqu'ici le dessin animé de Walt Disney ( 1940 ) et , pour ceux qui ont eu la chance de le voir hors d'Italie, " Les aventures de Pinocchio " de Luigi Comencini ( 1972 ), beau film celui-ci, naturaliste et élégiaque en meme temps. Maintenant et pour les années à venir on aura à faire à ce film époustouflant de Matteo Garrone ( le metteur en scène de " Gomorra " et de " Dogman " ) qui récouvre intelligemment la dimension féerique du conte de Collodi tout en épousant habilement, lui aussi, l'aspect réalistique d'un paysage toscan hors du temps qui répresente un atout non négligeable de la fortune de cette  oeuvre majeure de la littérature pour l'enfance ( mais lisible néanmoins a toute age ). L'interprétation par  Roberto Benigni dans le role du " père " de la petite marionette qui devient enfin un enfant est superbe de rétenue et de subtilité. La mise en scène de Garrone est sans faille , si on ne considère pas son gout, parfois, un peu trop prononcé pour le bizarre et le grotesque. Tous comptes faits, un film à voir absolument et à admirer.


Please find here a short commentary in English on this film :

" Pinocchio " is the latest  film by the celebrated italian director Matteo Garrone ( " Gomorra " , "Dogman " ). The wellknown story of the puppet who wants to become a child written by Collodi in XIX century , beloved by children ( and adults ) of at least five generations, becomes here a very nice and realistic picture of ancient italian  countryside whilst keeping its quality of a subtle  and eternal fairytale. The direction by Garrone is powerful, always in command, yet witty anf full of grace, one of its best so far. The actors are totally fit for the characters they are called to impersonate, the decoration and the special effects( just what is needed, here ) are splendid, the musical score quite pleasant . A whole  positive outcome for a film  that would have been admired by Fellini or De Sica and which  allows us to hope  in a shiny little future for an italian cinema still orphan of its " sacred idols ".