" ALICE E IL SINDACO " di Nicolas Pariser ( Francia,2019 ) / UNA POSTILLA SUGLI OSCAR

Il cinema francese, in passato piuttosto disattento alle problematiche pubbliche, si dedica da qualche tempo con maggiore intensità a vicende e personaggi in presa diretta con la società, la politica, le lotte sindacali che agitano questi nostri anni di complessivo declino. "Gilets jaunes " e gli ultimi ripetuti scioperi  hanno nuovamente acceso i riflettori sulle condizioni economico-sociali del nostro vicino d'Oltralpe, mostrando quanto esse siano preoccupanti e controverse nella percezione dei più . Di conserva anche i film che ci arrivano dalla Francia evidenziano  un maggiore interesse in tale direzione, traducendolo in storie in cui l'elemento politico sociale non è più soltanto sullo sfondo ma balza spesso in primo piano. E' della scorsa stagione il bellissimo " En guerre ", di cui abbiamo parlato, su di un lungo, disperato sciopero volto a scongiurare la chiusura della filiale francese di una grande multinazionale. Ed altri film recenti, anche se apparentemente trattano d'altro, non possono non richiamare  problemi e drammi della collettività.

Non c'è dramma invece, ma sottile dialettica, nel discreto film di un regista alla sua seconda prova, Nicolas Pariser, arrivato ora anche qui da noi. Non si può dire peraltro che " Alice e il sindaco ", pur con toni ed accenti meno concitati di quelli di altre opere delle ultime stagioni, non affronti anch'esso un tema centrale per la vita collettiva. Lo fa a livello di comunità locale  giacchè la finzione ci porta nel municipio della seconda città di Francia, Lione, ma il discorso può allargarsi facilmente a quella nazionale. La politica, sembrano chiedersi i personaggi ( il sindaco, appunto, ed una giovane laureata in belle lettere che è chiamata ad affiancarlo come " elaboratrice di idee " ) risiede tutta e soltanto nel pragmatismo e nella flessibilità che sempre di più apertamente la caratterizzano ? Oppure anche  il semplice amministrare  una città chiama ancora in causa quell'elemento idealistico, diremmo quasi quell' anima, quella visione dello sviluppo dell'uomo e della società, che si impone alla riflessione di chiunque voglia impegnarsi nella vita pubblica ? Bellissimo tema, naturalmente, che l'autore ( regista e sceneggiatore ) tratta con delicatezza, senza l'atteggiamento moralistico ed infiammato che ci si potrebbe attendere. Il dilemma, naturalmente, rimane tale anche alla fine del film.

 L'immaginario (ma non tanto) sindaco di sinistra Théraneau, che dice di vivere per la politica 24 ore su 24 e di non poterne fare a meno, sembra in verità totalmente affogato in una routine sempre più distaccata dalla realtà sociale. La giovane Alice che gli viene affiancata per ridargli un pò del necessario carburante di concetti e di idee, consiglia saggiamente umiltà, realismo ma anche coraggio ideale ed autentico (ri)contatto con la base dei militanti e dei cittadini. Nè l'uno nè l'altra riusciranno nell'obiettivo di ridare speranza alla politica con la "p" maiuscola. Ma l'esperienza condotta in comune li avrà (forse ) fatti maturare. Finale aperto , come si vede, non necessariamente pessimista ma solo moderatamente speranzoso. E come potrebbe essere diversamente, alla luce delle difficoltà che governanti ed amministratori provano nel mediare attraverso la politica i confitti e le problematiche sempre crescenti nella odierna realtà del quotidiano " vivere insieme " ?
Coraggioso nell'affrontare un tema così delicato e complesso, il film ha il merito di introdurre in un ordinario spettacolo cinematografico concetti e stimoli di particolare levatura. Non direi peraltro, che al di là del tono garbato ed insolito per un film " politico ", esso si distingua per valori cinematografici particolarmente spiccati. La sceneggiatura è a volte un pò troppo disinvolta e l personaggi di contorno appena abbozzati. Nè la psicologia di Alice e quella del sindaco sono sempre totalmente chiare. Se questi sono i limiti di un film tutto sommato gradevole e stimolante, i suoi punti di forza risiedono nella regia e nell'interpretazione. Pariser ha grande abilità nel costruire le scene, muovere la macchina da presa con precisione e fluidità capaci di imprimere al film il giusto ritmo. I due interpreti principali sono altrettanto encomiabili per immedesimazione nei rispettivi personaggi. Fabrice Luchini, grandissimo commediante con il rischio di eccedere  talvolta nel suo amore per la parola " recitata ", qui mi è parso assai misurato, a tratti perfino commovente nella immagine disarmata di un  politico in " panne " di forza propulsiva. Giudico sulla base della copia che ho visto con il doppiaggio in italiano e quindi faccio riserva di verifica se mai dovessi cogliere al volo la versione originale. Così come  Anais Demoustier, nella parte di Alice,mi è parsa fresca, spontanea, con quel tanto di ingenuità e di spregiudicatezza che si addice al personaggio. Forse, anzi certamente, tutto questo non basta per trasformare un film abbastanza blando nel suo sviluppo drammatico in una opera serrata e convincente al cento per cento. Onore peraltro a chi, almeno in Francia,  ha il coraggio di darci, come dicono gli inglesi, cibo per la nostra mente.

Se dovessi dire, passando ad una sintetica riflessione sulla recente assegnazione degli " Oscar",quanto sia rimasto sorpreso dovrei rispondere che lo sono stato parecchio. Abbiamo ricordato altra volta che gli " Academy Awards " sono il frutto di una votazione che riunisce più di 8.000 ( ! ) giurati appartenenti a tutte le professioni, anche le più " parcellizzate " dell'industria cinematografica. Non è un premio dato dai giornalisti o dai critici ed i relativi verdetti, nelle varie categorie, possono essere a volte alquanto discutibili. Oltretutto  il processo decisionale è abbastanza opaco e quindi è difficile ricostruire, in mancanza di esplicita motivazione, cosa abbia influenzato i giurati. Il premio al miglior film ( che , trattandosi di film non di lingua inglese  meglio sarebbe stato confinare nella categoria degli " stranieri " dove ha egualmente vinto ) è andato , come si sa , al coreano " Parasite ". Ed addirittura il suo regista e sceneggiatore si è aggiudicato anche  i relativi premi di settore. Non posso essere d'accordo , anche se il film ha il suo indubbio valore. Ho l'impressione che- come succede ormai anche per il " Nobel " letterario - si sia voluto premiare soprattutto una particolare cinematografia o addirittura un'intera area geografica. La Corea del Sud e l' Asia in generale producono oggi opere assai interessanti e ben riuscite. Ma allora, in questo spirito e negli anni scorsi, altri registi ed altri film avrebbero con maggior merito potuto essere premiati con i massimi riconoscimenti. Il mio favorito, guardando la " short list " de papabili, era " Piccole donne ", sia come miglior film , migliore regia ( grandissima Greta Gerwig ) e migliore sceneggiatura . Peccato, ma sono sicuro che la giovane cineasta americana saprà rifarsi in avvenire. Nulla da dire sul premio al miglior interprete principale maschile ( il formidabile Joaquin Phoenix di " Joker " ), non posso giudicare l'Oscar " femminile " andato a Renée Zellwegger ( "Judy" ) perchè non ho visto il film . E comunque, questo voglio dirlo, in concorso non c'erano due o tre dei migliori film americani del 2019 : " Ad astra " di James Gray, " " Un giorno di pioggia a New York " di Woody Allen e " Richard Jewell " di Clint Eastwood. Gli ultimi due, purtroppo va ricordato, esclusi per ragioni contenutistiche o antipatie per i loro autori, non certo per demeriti estetici. Anche il cinema appare sempre più influenzato, nella percezione dei suoi valori, da fattori estranei al merito artistico, volti piuttosto ad assecondare lo " spirito dei tempi " e a seguire la corrente della " correttezza ideologica ".


Veuillez trouver ci-dessous, svp, mon court commentaire en francais sur le film :

" Alice et le maire " est un gentil petit film sur la politique. Politique des villes, puisque la fiction nous emmène à la mairie de Lyon. Mais le discours sur la politique  forcemment "politicienne " , qui ne saurait pas néanmoins négliger les idées et une clairté idéologique suffisante, peut evidemment s'élargir à d'autre niveaux plus hauts et plus amples. La dialectique entre le maire de gauche Théraneau ( Fabrice Luchini toujours superbe ) et Alice, la jeune  attachée à son cabinet qui doit lui "donner des idées " pour son action municipale ( attrayante Alice Demoustier ) est presque toujours intéressante dans un film qui a des mérites aussi pour la mise en scène de Nicolas Pariser. Si le film nous laisse un peu sur notre faim cela est du plutot à un scénario qui aurait démandé davantage de véritable tension dramatique et un peu plus de courage en traitant l'argument . A voir quand meme si on a du temps. Curieux et fort peu intéressés au sujet du film , s'abstenir.

Please find here my short commentary in English on the film :

" Alice and the Mayor " is a film on politics, the necessary underlying pragmatism and ideas that should support any political action. Set in the city of Lyon, the problem is tackled at municipal level. But its meaning goes clearly beyond ,being relevant at the highest level. Very well performed by Fabrice Luchini, one of the " monstres sacrés " of French cinema and the  handsome, intelligent ,young actress Anais Demoustier, the story is remarkably directed by moviedirector and screenwriter Nicolas Pariser. Dialogues, as usual in French films, are mostly interesting and entertaining but this " Alice and the Mayor " lacks perhaps a bit in dramatic tension and more clarity in the psychological evolution of the main characters. To be seen, anyway, by the fans of contemporary French film and the ones to whom politics is the favourite subject.

" PICCOLE DONNE " di Greta Gerwig ( USA, 2019 )

Ridurre un romanzo  per lo schermo cinematografico (e già il termine " ridurre " suggerisce una costrizione, una compressione del testo  nel particolare " format " di un film e quindi  un'operazione tutt'altro che semplice ) è impresa tentata mille volte con esiti alterni. Abbiamo opere letterarie di grande valore che hanno avuto trasposizioni francamente deludenti  ed altre di assai minore risalto estetico - paradossalmente il caso più frequente - che  al cinema hanno acquistato, per così dire, qualità che alla semplice lettura non erano affatto evidenti. Pleonastico chiosare sul fatto che esprimersi per immagini in movimento, sia pure qua e là accompagnate dal dialogo, differisce assai, come tecnica, dal costruire un racconto, dall'evocare psicologie e stati d'animo, con il solo ricorso alla parola. Più  utile soffermarsi sulla circostanza che  colui o colei che pone mano ad un'opera letteraria, romanzo o racconto che sia, allo scopo di farne un film, trova dinnanzi un  importante nodo da sciogliere. Prima ancora, infatti, della scelta della misura in cui mantenersi  fedele al  contenuto del testo, l'interrogativo è quello sul modo in cui dar vita ad un immaginario visivo che corrisponda, nello stile e nell' atmosfera complessiva, alle intenzioni, diremmo alle " ragioni narrative "  del suo autore. Di qui opere cinematografiche che, nel timore forse di tradire l'ispirazione originaria del libro, ne seguono passo passo il percorso espositivo dei fatti e delle situazioni, scorciando naturalmente dove necessario  per contenere la vicenda nei tempi  concessi ad un film. Mentre altri, coraggiosamente, si inoltrano su vie più ardimentose. Invece di un semplice "adattamento ", sia pure a volte di grande gusto e sostanziale aderenza allo spirito dell'opera letteraria, preferiscono tentare un'operazione più personale : quella, in sostanza, di dar vita ad una creazione che, pur traendo spunto dal libro e mantenendosi  in linea con il suo significato, risulti da questo  maggiormente autonoma e più propriamente cinematografica. Tale è il cammino intrapreso oggi con successo dalla giovane americana,appena trentaseienne, Greta Gerwig, nel portare sullo schermo il bel libro " Piccole donne " di Louisa May Alcott che già  altre tre volte era stato adattato per il cinema nell'epoca del sonoro dandoci opere di importanza diversa ma tutte interessanti.

Cosa ha fatto, dunque, la Gerwig per scrivere e dirigere quello che, a tutt'oggi, è il miglior " Piccole donne " della breve storia del cinema, riuscendo a mantenersi fedele all'atmosfera  calda ed ottimistica del libro, cristallizzata nel ricordo di milioni di lettori, ma al tempo stesso firmando un'opera molto personale e che aggiunge ulteriore spessore al testo letterario ? Con coraggio e a rischio magari di scontentare qualcuno ha destrutturato il racconto e lo ha ricomposto secondo una sintassi, cioè un susseguirsi di sequenze, che non è più quella cronologica e lineare del libro ma risponde invece alle sue motivazioni più profonde, a quella vena che come un fiume carsico scorre nascostamente lungo tutte le pagine. Le quattro ragazze March,solidali tra di loro ma diverse per aspirazioni, capacità e carattere, non sono infatti solo le protagoniste di una gradevole storia sentimentale e moraleggiante, costellata di episodi ora buffi e vivaci, ora patetici e romantici. Nelle loro vicende , in un' America che sta uscendo dalla guerra civile abbandonando le illusioni dei padri fondatori ed in cui le differenze sociali e di genere si vanno consolidando, il libro della Alcott è sorprendentemente anticipatore , infatti, di inquietudini e tensioni ideali verso una vita più giusta ed autentica, verso un mondo più egualitario nei rapporti tra uomini e donne, che daranno vita, nei decenni successivi , a robuste correnti di pensiero e di azione fino all'odierno femminismo.Essere povere e donne, con un padre in guerra, negli anni sessanta del secolo XIX, è un'aspetto del libro non secondario, anzi il necessario contesto per dare un senso meno epidermico all'ascesa personale, sociale e professionale, sognata e tenacemente perseguita dalle "piccole donne". Ecco allora che il film della Gerwig prende intelligentemente le mosse dall'aspirazione letteraria di Jo ( in cui si delinea la figura della stessa Alcott ), una Jo che vediamo, all'inizio del film, già a New York  ad intraprendere una problematica carriera di scrittrice. E si conclude proprio quando Jo, sposate Meg ed Amy, morta prematuramente Beth- il personaggio più fragile e toccante - può dare alle stampe il libro in cui ha adombrato autobiograficamente le vicende della sua famiglia. E all'interno di questo percorso circolare, imperniato sulla figura  " forte " ed emblematica dell'intera storia raccontata dalla Alcott, ecco collocati i vari episodi significativi del libro. Non più organizzati, come si diceva, secondo l'ordine originario , in un rigida successione temporale, ma evocati  più liberamente di volta in volta dai sentimenti , dal ricordo, dalle emozioni dei vari personaggi , in una serie spesso di " flash back", di visioni retrospettive. Procedimento che può leggermente lasciare perplesso, all'inizio, lo spettatore. Ma che si rivela man mano quanto mai funzionale, fluido e scorrevole, per ricomporre nella giusta prospettiva episodi, situazioni e stati d'animo che fanno di questo piccolo-grande libro un testo  autenticamente " moderno ".

L'eccezionale bravura di Greta Gerwig nel dare vita ad una versione cinematografica estrememamente convincente di " Piccole donne " e, nel contempo, ad una opera personalissima e sofferta qual può essere la storia di giovani donne che aspirano a misurarsi con il potere ( economico e/o patriarcale ) per realizzare le loro aspirazioni, risiede innanzitutto nella sceneggiatura, come si è cercato di spiegare. E la Gerwig, autentica cineasta " globale " ( sceneggiatrice, regista ed in passato anche attrice ) ha " scritto " un film cucito a meraviglia in tutte le sue parti, solido e coeso, ironico e pensoso al tempo stesso. Ma dove forse è stata ancora più brava è nella regia. Fatte le sue esperienze iniziali di direzione con un discreto primo lungometraggio due o tre anni fa, " Lady Bird ", che rievocava la sua adolescenza in California, qui la Gerwig ci offre immagini davvero sontuose, di rara armonia plastica, di una sapiente eppur istintiva composizione: figure umane che acquistano rilievo quasi tridimensionale tanto sono vive e palpitanti, interni ed esterni di struggente bellezza, movimenti scenici di un ritmo e di un brio che li assimila - è stato giustamente notato - a quelli di un " musical ", senza canzoni ma con un commento musicale di grande finezza.  Se  dirigere un film vuol dire, nella terminologia francese , " mise en scène " credo che pochi, in questa stagione ( forse Gray, Eastwood o Allen per rimanere negli USA ) hano saputo come lei far letteralmente balzare fuori del quadro, per la loro immediatezza evocativa, personaggi ed ambientazione. E che dire della recitazione, cui va reso egualmente un vibrante omaggio per l'esito trionfale del film .Jo è Soirse Ronan, ormai matura ( a soli 25 anni ! ) per personaggi sempre più complessi e le sue sorelline ( tra cui la migliore è Amy, nel mondo Florence Pugh ) tutte molto brave. Accattivante, e molto personale, l'interpretazione della veterana Laura Dern nella parte della Mamma. Saporito il " cameo " di Zia March della grande Meryl Streep. Ma il  più interessante come recitazione mi è sembrato Timothé Chalamet ( il giovane protagonista di " A rainy day in New York " ) davvero abile ed ispirato nell'ingrata parte del ricco Laurie. Scenografie e costumi  non solo di maniacale precisione nel riprodurre l'epoca della vicenda ma appropriati, come tono, tinte, volumi, in ciascuna scena. Fotografia, infine , calda , avvolgente, ora luminosa ora ricca di ombre e di contrasti, quali poche simili si son viste in questa stagione. In definitiva, un film davvero bello ed intelligente, da salutare come l' epifania di una eccezionale autrice di cinema.

Please, find here my short commentary in English on the film :

" Little Women " by Greta Gerwig, young and talented screenwriter and movie director, innovates on the traditional way of adapting for the screen Louisa Alcott's novel ( the most celebrated version being Merwin Le Roy's one,  shot in 1949,  starring June Allyson, Elizabeth Taylor, Janet Leigh, and an incredible Rossano Brazzi in a " cameo " role). Instead of following, step by step, the succession of episodes related in  the book, the film takes more than some narrative and visual liberties  reconstructing in a very personal mode the atmosphere and the significance of the story. Picture of an emerging, more conscious and self-liberating womanhood  in the midst of the  American Civil War, this " Little Women " is nevertheless a warm, intimate tale of love, dedication to family values and yet aspiration to success, money and...power ( women power, of course ). Beautifully directed, rich in superb and superior images, the actors are outstanding, starting with Saoirse Ronan ( Jo ) with the remarkable presence of Timothé Chalamet ( Laurie ) and veteran actresses Laura Dern and Meryl Streep. Design, photography and musical score all  deserving a particular mention.


Veuillez trouver, s.v.p. mon court commentaire en francais sur le film :

" Les filles du docteur March ", livre de chevet de plusieures générations de jeunes filles ( et de quelque garcon ) a été transposé à l'écran maintes fois. Cette dernière version , qui porte la signature ( scénario et mise en scène ) de la jeune et très douée cinéaste américaine Greta Gerwig, est la plus bouleversante de par sa liberté et modernité de ton. Au lieu de suivre la stricte succession des épisodes du livre, Gerwig réconstruit , pour ainsi dire,un itinéraire plus correspondant à la géographie intime des  sentiments et des  idéaux arborés par les différents personnages , en particulier Jo, l'écrivain en herbe qui reve d'une carrière dans la littérature. Il en sort non sulement une histoire passionante de croissance humaine et professionelle de jeunes créatures de la gens féminine, mais aussi un film ironique et vibrant, riche en description somptueuse d'une époque, merveulleusement juste et bien joué par les différents acteurs. Si à ca et à une mise en scène d'une étonnante beauté visuelle on ajoute de décors très soignés, une musique bien captivante et une superbe photographie, on aura là un véritable , petit chef-d'oeuvre.

" 1917 " di Sam Mendes ( Gran Bretagna / USA, 2019 )

L'ultimo film di Sam Mendes (il regista di " American Beauty " nel 1998 e, più di recente, di  un paio di James Bond ) sta avendo dovunque, in questo mese di gennaio, un successo strepitoso. La critica - almeno quella che si è espressa sin qui - lo va incensando come una sorta di capolavoro. Il pubblico riempie le sale per vederlo e, anche qui in Italia,questo  "1917 " promette di raggiungere e superare un autentico primato di incassi. Mi dispiace quindi, sinceramente, dover ammettere che a me non è piaciuto  per niente. Sarà un mio difetto ma sono rimasto estraneo al fascino che, sento dire, il film eserciterebbe su chiunque lo vada a vedere. E il mio atteggiamento, vi assicuro, non è figlio di una sorta di pregiudizio sfavorevole verso i film che ottengono grande successo di cassetta riscuotendo nel contempo i giudizi entusiastici degli addetti ai lavori . "La dolce vita" di Fellini, esattamente sessant'anni or sono nel febbraio del 1960 suscitò, appena uscito, grandissimo clamore per le novità di forma e di contenuto e piacque tremendamente al pubblico ( tra cui, emozionato  nella folla del cinema "Fiamma " di Roma, c'ero anch'io). Un film che è graditissimo a folte schiere di spettatori non può essere etichettato, per questo, sempre e solo come un "film di cassetta" . Né la circostanza che i primi giudizi critici siano molto favorevoli  è un motivo per pensare ad una sorta di cospirazione volta, mentendo spudoratamente, ad amplificarne il successo commerciale. Penso piuttosto, in questo caso, ad una sorta di diffuso equivoco  sulla natura del cinema come forma di espressione o, se preferite, di nebbia estetica e morale che ha causato qualche confusione e che, per fare chiarezza, occorrerà  dissipare.

 Il film - ormai anche chi non lo ha visto ne è al corrente - è la storia di due giovanissimi soldati inglesi incaricati,  sul fronte francese durante la prima guerra mondiale, di una missione davvero "impossibile". Contro i mille pericoli costituiti da un nemico insidioso e contro il poco tempo a disposizione essi, soli, appiedati e senza alcun supporto, debbono raggiungere infatti prima dell'alba un altro reparto del loro esercito per avvertirlo di non attaccare, contrariamente agli ordini ricevuti in precedenza, lo schieramento tedesco evitando così di cadere in un mortale, sopravvenuto tranello.Per le due ore o poco più di durata del film la cinepresa bracca letteralmente i due soldatini nella loro affannosa missione mediante quello che sembra un unico, ininterrotto "piano sequenza" ( cioè una ripresa senza " stacchi " da una inquadratura all'altra, fluida e continua , con la cinepresa che si muove all' interno del piano medesimo per seguire i movimenti dei personaggi e lo sviluppo dell'azione ).In realtà, come risulta  evidente, il " montaggio " c'è anche qui, appena mascherato, anche se le inquadrature restano insolitamente lunghe e costituiscono comunque un risultato tecnico non indifferente. L'obiettivo insito in  una scelta formale come questa è quello, intuitivamente, di coinvolgere maggiormente lo spettatore, di farlo sentire come se vivesse realmente gli avvenimenti raffigurati sullo schermo : emozionarlo, impaurirlo, condurlo conseguentemente ( si presume ) a riflettere sull'orrore e l'inanità della guerra, ogni guerra. Bene, non sarò certo io a condannare finalità di questo genere. I film di guerra e quelli, tra di essi, apertamente antimilitaristi sono una folta schiera e vi si annida più di un capolavoro.Il primo nome ad emergere, visto che si parla della " grande " guerra, è quello di "Orizzonti di gloria ", lo splendido film di Stanley Kubrick, girato nel 1957 ed ambientato su quello stesso fronte francese dove si svolge l'azione di "1917". Fare confronti è sempre un tantino ingeneroso e non tiene conto dell' " unicum " che in fondo rappresenta ogni film , come del resto ogni altra opera d'arte. Eppure, come non rifarsi al film di Kubrick- esteticamente superbo, rapido ed asciutto, ideologicamente coerente ed onesto - per accorgersi di quanto il film di Mendes sia figurativamente debole e politicamente inconsistente. Con grande economia di mezzi, uno stile semplice eppure potente,  "Orizzonti di gloria " ( che ha anche al suo interno uno o più,  ma ben  contenuti, piani-sequenza nelle trincee di ardimentosa bellezza ) riusciva a far condividere allo spettatore emozionato e sconvolto un sicuro, forte sentimento antibellicista. " 1917 ",con tutto il suo sfoggio di bravura formale e di orrori di ogni sorta, non riesce che ad ingenerare reazioni di epidermica paura, quasi fossimo entrati in uno di quegli innocui  " tunnel dell'orrore " che abbondavano un tempo in ogni luna-park, e a sollecitare, al più,  la scontata sensazione dello spettatore che è certamente meglio starsene sul divano di  casa propria ( o su una comoda poltrona di cinema ) che andare in guerra  a rischiare la pelle .

Spettacolare, nel senso più strettamente letterale del termine, il film lo è certamente. La bravura dell'operatore alla cinepresa- che ha certamente, specie all'aperto, dovuto sormontare difficoltà non indifferenti - è fuori discussione. Ma il partito preso formale del regista, quel lungo vero o falso che sia piano-sequenza, è esteticamente e ideologicamente valido ? Riesce a comunicarci, come probabilmente vorrebbe, un vero senso di sgomento e di angoscia e, insieme, il ripudio della violenza bellica, della inutile , sanguinosa " matta bestialite " che assale l'uomo quando va in guerra ? Sulla scorta di quanto ho visto e "non" provato, ne dubito fortemente.La tecnica di per sé non è sufficiente per convincerci delle intenzioni dell'autore. Queste possono anche essere "vestite" da questa o quella inquadratura, dal ritmo impresso alla successione delle sequenze, dal tono generale del  film così come emerge dalla fotografia, dalla scenografia, dalla musica, dalla stessa recitazione. Ma " dietro " , o meglio " prima ", occorre pure che a sorreggere la tecnica vi siano - e siano appunto visibili, almeno in filigrana - le " ragioni morali " ( nel senso della specifica visione della vita, con il bene , il male, il peccato, la redenzione eccetera ) che l'artista non può non avere ed è naturalmente portato, quando è vero artista, a riversare nella propria opera. Non so più quale critico francese ( forse André Bazin ) dicesse una volta che, al cinema,   " il travelling implica una morale ".  Intendeva così sottolineare che la tecnica, anche quella apparentemente più neutra ( il " travelling " è il movimento della macchina da presa impiantata su di una rotaia scorrevole per poter effettuare, appunto, una carrellata laterale, oppure in avanti o all'indietro ) deve corrispondere ad un preciso " punto di vista " ideologico del regista. Qui , purtroppo, Mendes non è  minimamente riuscito ad uscire dalla trappola di una bravura tecnica fine a sé stessa, avulsa da qualunque contenuto morale. Incapace di trasmettere autentiche emozioni perchè privo, all'origine, di una visione che superi l' angusto ambito della " forma " nel quale ha scelto di confinarsi. Film " di " violenza più che " sulla " violenza , semplice " avatar ", a tratti, delle figure iperrealistiche di tanti video-giochi che concorrono oggi a formare l'immaginario visuale dello spettatore medio, specie il più giovane, " 1917 "  resta ancorato ad un " significante " inibito di qualunque significato. Paradigma di morte che non trova riscatto in nessuna speranza di vita, cinema spogliatosi di qualunque trascendenza,  mezzo di espressione irrimediabilmente senza uno sbocco.

Please find here a short commentary in English on this film :

" 1917 ", the latest film by the english director Sam Mendes ( " American Beauty ", "Revolutionary Road " ) is having considerable success both by the public and the critics. As a matter of fact, this story of the First World War is purely based on technical elements of  some interest ( an apparent long single frame shot following two british soldiers on a dangerous and frightening mission ). What is totally missing here is a " vision " that might raise the film to something more substantial and morally consistent than some kind of " video-game ",  less a violent film than an appropriate reflexion on violence itself. Pity, "1917" ( candidate to 10 Academy Awards ! ) will not last in our memory of cinema lovers.


Veuillez trouver ci-dessous s.v.p. un court commentaire sur ce film en francais :

" 1917 ", dernier film de Sam Mendes, directeteur anglo-américain plutot controversé, est une grande déception. Pourvu d'une technique époustouflante ( tourné en digital, on le dirait  fait, en grand partie, d'un très long plan-séquence en extérieur qui a du surmonter pas mal de difficultés pour etre réalisé ) il est tristement dépourvu de toute " vision " personnelle sur la guerre et la violence qui puisse l'élever du statut de simple avatar des pires vidéo- jeux à  une véritable  réflexion sur ce qui emmène l'homme à tuer d' autres hommes. Dommage, voilà un film qui ménace de rester fort peu de temps dans la mémoire du spectateur cinéphile.

" RICHARD JEWELL " di Clint Eastwood ( USA, 2019 )

Clint Eastwood, il veterano attore-regista statunitense ( quest'anno festeggia 90 primavere !) negli ultimi tempi si è dedicato a portare sullo schermo storie di vita vissuta che hanno al centro persone comuni, uomini della strada che hanno impresso, ad un certo punto,complice il caso, una svolta alla loro esistenza raggiungendo, nel bene e talvolta nel male, una improvvisa notorietà. Dopo " Sully "  ( 2016 ), la vicenda del coraggioso pilota che salva un aereo con tutti i passeggeri in un ardimentoso ammaraggio sul fiume, "Ore 15.17 -Attacco al treno " ( 2017 ), l'attentato terroristico al TGV Parigi-Amsterdam sventato da tre coraggiosi giovanotti, " The mule- Il corriere della droga " ( 2018 ) sulla incredibile " performance " di un ultraottuagenario entrato al servizio di un cartello di spacciatori internazionali, ecco ora la sua ultima fatica degna di un' autentica " realtà romanzesca ". Qui, a dir il vero, più che ad un "exploit " del personaggio principale, assistiamo soprattutto al calvario che questi deve affrontare per la stupidità e la malevola stoltezza delle autorità. Stiamo parlando dell'episodio avvenuto ad Atlanta nell'estate del 1996 quando dei terroristi misero una bomba in un parco dove erano riunite migliaia di persone in festa per i Giochi Olimpici che si svolgevano in quella città facendo solo due morti ed un certo numero di feriti grazie all'intelligenza e alla prontezza di riflessi di un semplice addetto alla vigilanza, tale Richard Jewell, che scoprì in tempo l'infernale congegno e riuscì a limitarne l'effetto. Nel film vediamo come Jewell, salutato dapprima come un eroe  per il suo coraggio ed il suo spirito di abnegazione, venga in un secondo momento incredibilmente  sospettato  dalla polizia federale di aver messo lui stesso la bomba , da solo o con complici. Indagato, sottoposto ad ogni sorta di umiliazione e di stress anche a causa di mezzi di informazione spicci e faciloni,  se la caverà grazie all'intervento di un avvocato amico che riesce a dimostrare, non senza fatica, la sua totale estraneità alla delittuosa macchinazione. Arrestati i veri autori della tentata strage, Jewell, provato probabilmente dalla tristissima esperienza,  morirà qualche anno dopo.

Ipernazionalista ( ha una bandierina a stelle e strisce sulla porta di casa ) ciecamente fiducioso nei poteri costituiti ed in particolare nelle forze dell'ordine, con un passato lavorativo tutto nei servizi di sorveglianza e qualche infortunio per eccesso di zelo nel far rispettare " law and order ", Jewell è il perfetto " sospettabile " per un attentato che da subito viene ( correttamente ) attribuito ad ambienti di estrema destra. Il famigerato " profiling " di cui si avvalgono gli agenti federali che conducono l'inchiesta , in pratica il tracciare una sorta di " identikit " ideologico-comportamentale, il profilo appunto del possibile reo, e poi l'applicarlo acriticamente alla persona che più viene ritenuta corrispondervi, condanna in partenza il nostro uomo. Figurarsi, in casa ha un vero arsenale di fucili da caccia e pistole di ogni genere (in Georgia, dove si svolge l'azione, è peraltro legittimo possederli ) ed in più Jewell, un tipico ciccione mangiatore di "junk food " timido e solitario, a trentatré anni vive ancora con la madre ed ha quella "brutta" ossessione per il rigore e la precisione che, agli occhi dei più "scafati " poliziotti e giornalisti, deve proprio sembrare una intollerabile aberrazione. Ecco così che la storia, nella raffigurazione che ne fa Eastwood, diventa anche la contrapposizione tra  un personaggio fondamentalmente " buono ", onesto ancorchè limitato, e l'attuale "deriva" della società verso costumi più liberi e mentalità pericolosamente  meno esigenti, meno responsabili , esplicitate queste ultime da un agente federale tanto ottuso quanto pigro e da una giornalista assetata di successo e dalle abitudini morali quanto mai disinvolte.

E' evidente che il film , ancora una volta,non piacerà a coloro che rifuggono dal cinema di Eastwood, considerandolo un ricettacolo di pseudoconcetti  iperconservatori e contrari al "progresso ". Innegabile, indubbiamente, che a Clint gli spregiudicati antagonisti di Jewell  debbano piacere assai poco. Comprensibile quindi che , in questa storia di un povero ciccione ancorato ai valori del passato,egli  vi abbia visto anche il mezzo di celebrare una volta di più l'America profonda,  non intellettuale, semplice e fedele ai propri convincimenti tradizionalistici che, da " Gran Torino " ad oggi, gli è particolarmente cara. Ma sbaglierebbe chi non riuscisse a vedervi , ancor prima e soprattutto, il ritratto di un più ampio antagonismo tra, da un lato, i " poteri forti " ( il Governo federale- non dimentichiamoci che siamo nel Sud libertario e che la bandiera di " Dixie " occhieggia dovunque - ed i "media" ) e, dall'altro, il comune cittadino, l'uomo semplice che rischia di rimanere schiacciato da un ingranaggio più potente di lui nella sua cieca indifferenza. Un tema , questo, che è in realtà sempre attuale e che fece, a suo tempo, la fortuna di tanto buon cinema americano progressista  (" Arriva John Doe " , " Lo stato dell'Unione " ). E soprattutto sbaglierebbe chi si ostinasse a non riconoscere, nel cinema di Eastwood, quel respiro, quella maniera di affrontare le storie ed i personaggi con passione, impegno e classico rigore che , in certe scene ( penso agli interni, caldi, intimi, descritti con amorevole attenzione, della casa della mamma di Jewell ) lo avvicinano- non voglio esagerare- al miglior John Ford, poniamo, di "Sentieri selvaggi ". Il suo inconfondibile stile, il suo modo di filmare, sontuoso e fluido al tempo stesso, il " pathos " intimistico e sommesso che riesce ad infondere nella materia che tratta, dovrebbero ormai aver convinto anche i più scettici che Clint Eastwood è il degno erede della grande tradizione cinematografica americana.

Interpretazione molto buona ( Kathy Bates, la mamma, è candidata all' Oscar ) la fotografia è degna di particolare lode ed il commento musicale quanto mai delicato ed appropriato.

Please find here a short commentary  in English on the film :

" Richard Jewell ", the latest film by Clint Eastwood, is a true story ( The Atlanta bomber at the Olimpic Games of 1996 ) wich allows the veteran movie director to create a new  portrait of the antagonism between the old traditional  "national " values and a more open, "swinging" modern society. Jewell,  becomed a suspect terrorist for his " profile " but who is totally inocent, struggles against a power ( The F.B.I., the media )  wich turns out inconsistent and ideologically biased. Eastwood's filming is warm, passionate , yet soft  and classical in the best tradition of the great american cinema. To be seen by every dedicated moviegoer.

Veuillez trouver ci-dessous un court commentaire en francais sur ce film :

" Richard Jewell ", le dernier film de Clint Eastwood, rénoue avec la grande tradition du cinéma  "civique" américain : celui de  Ford et de Capra, cher à la  mouvance " liberal " comme à celle plus conservatrice mais soucieuse de la liberté de l'individu face aux pouvoirs publics. A travers l'histoire d'un pauvre homme de la rue, nationaliste et aimant la loi et l'ordre, qui sauve ses concitoyens des conséquences d'un grave attentat à la bombe  (nous sommes aux Jeux Olympiques d' Atlanta en 1996 ) mais qui est, par la suite, soupconné  d' en etre parmi les responsables simplement à cause de son " profil " idéologique, Eastwood nous donne un ennième essai de sa profonde maitrise du moyen cinématographique et de sa connaissance de l' Amérique profonde ( celle, entre autre, qui aime particulièrement ses films ! ). Tourné d'une facon superbe, chaud et lumineux, voilà un film qui va nous réconcilier, toutes tendances idéologiques confondues, avec un  cinéma humaniste et honnete.

" HAMMAMET " di Gianni Amelio ( Italia,2020 )

Ecco un film che farà molto discutere ( sempre che piuttosto non si tenti abilmente di condannarlo al silenzio, visto che l'argomento è dei più scomodi che ci siano ). A vent'anni esatti dalla morte, avvenuta in Tunisia, nella località marina di Hammamet, la figura politica ed umana di Bettino Craxi è ancora delle più controverse ed il solo evocarla, sia pure con l'equilibrio e il distaccato pudore con cui qui lo si fa, crea disagio in molti ambienti. Peccato, perché si corre il rischio di identificare il film con il suo personaggio e invece di usare gli strumenti della critica estetica si finisce col ricorrere insidiosamente - sia pure camuffate da parametri di carattere formale - a categorie moralistico-giudiziarie che nulla hanno a che fare con un'opera che oltretutto non è né un racconto biografico né un documentario storico. Le prime reazioni che si sono potute riscontrare al riguardo ( auguriamoci che poi la musica cambi ) non lasciano in effetti ben sperare. Il film è stato tacciato di " ambiguità ", " incompiutezza ",  " confusione ", aggrappandosi coloro i quali lo hanno accolto in questo modo  ad una pretesa oscurità contenutistica nonché, qui sta il punto, ad uno scarso approfondimento del Craxi politico che costituirebbe uno dei suoi difetti principali. Tradotto in soldoni, " Hammamet " avrebbe il torto di aver  disotterrato  le ossa del defunto leader socialista senza intentargli quel processo postumo  (con sentenza scontata ) che parrebbe d'obbligo se proprio si vuole avere il " cattivo gusto " di rievocarne l'immagine.

A dimostrare quanto invece le preoccupazioni del film stiano altrove, ricorderemo che l'unica e breve sequenza, collocata all'inizio del film, che ricostruisce un momento più propriamente " partitico " della intera vicenda di Craxi  ( quel congresso socialista del 1989 che segnò il suo apogeo ) appare tutt'altro che trionfalistica, mentre ad essa fanno da contestuale contrappunto i dubbi di un vecchio militante che, prefigurando quasi l'imminente catastrofe,   mette in guardia il " leader " dagli eccessivi ed infidi consensi provenienti da ambienti che poco hanno a che fare con le tradizionali posizioni progressiste. Poi tutto il resto del film  si concentra invece sulla parabola discendente di un uomo stanco e precocemente invecchiato. Riparato all'estero nel periodo più infuocato e confuso della resa dei conti, è ormai un vinto. Ha perso il potere, le coperture di cui poteva disporre, una buona parte degli amici.  Si trova in una sorta di esilio più o meno dorato, incompreso e addirittura sopportato talvolta dai suoi stessi familiari,  ancora bersaglio degli attacchi di quei  concittadini convinti che una buona parte dei mali  del paese dipendano dal suo trascorso sistema di governo. Malato, impossibilitato a curarsi adeguatamente, il " presidente " ( nel film non lo si designa mai con il nome, quasi a conferire un significato più ampio alla sua condizione umana ) finirà i suoi giorni senza aver potuto far conoscere la sua versione di come siano andate propriamente le cose e senza aver potuto chiarire ( forse, ancora prima che agli altri, a sé stesso ) la propria particolare concezione del potere  e del rapporto tra governanti e popolo, la lotta politica e il denaro. Sì,un film " politico ", se proprio si insiste sul termine, ma in senso meno scontato e ristretto di come qualcuno vorrebbe. Dovremmo definirlo, piuttosto, un racconto filosofico ed umano, costantemente trascendente il mero punto di partenza cronachistico. "Finzione " quindi,  quale sempre al cinema diventa anche la più nuda ed essenziale delle verità perché trasfigurata dall'arte e dal significato universale che ogni vicenda finisce con l'assumere una volta  rappresentata sullo schermo.

 " Hammamet ",sceneggiato e diretto da Gianni Amelio ( il regista oggi settantacinquenne che quasi quaranta anni fa ci dette un magistrale film sul terrorismo, " Colpire al cuore " ) è un ottimo prodotto di quel cinema psicologico- ma con robuste venature politiche e sociali - che ha fatto, nei suoi anni migliori, le fortune del cinema italiano e che da un po' di tempo sembra appannaggio di altre cinematografie, ad incominciare da  quella francese. Lineare nella sua progressione drammatica, fluido e vigoroso al tempo stesso,il film dipinge con tinte calde e vibranti, sempre esteticamente molto convincenti perchè coerenti con il proprio punto di vista morale, la decadenza di un uomo. Senza giudicare, senza esaltare o condannare, non prendendo partito, limitandosi a registrare l'umana, comprensibile autodifesa di un potente  abbandonato da tutti. Forse colpevole , forse no. Ma degno egualmente della " pietas " di cui il vero artista circonfonde i propri personaggi.Ne vien fuori un ritratto singolare di "uomo in rivolta ", prima di tutto con sé stesso. Un ritratto che  non si impantana mai - salvo forse nel finale, leggermente fuori tono - nei meandri di una indagine  forzatamente a tratti  complessa e apparentemente contraddittoria ( se Craxi si sentiva innocente, non avrebbe fatto meglio a rimanere in Italia per  difendersi dalle accuse che gli erano state mosse ? ). Corposi e ben calibrati la maggior parte dei personaggi di contorno, il film necessitava forzatamente, per il coraggio dimostrato nell'affrontare un argomento così scottante,  di una grande capacità di resa del personaggio principale che si caricasse sulle spalle l'intero significato del film ( che non è "ambiguo " , bensì poliedrico e volutamente ridondante ). Lo ha trovata nella eccezionale , efficacissima, sorprendente interpretazione di Pier Francesco Favino. Appena reduce dalla impressionante incarnazione di Tommaso Buscetta ne " Il traditore " di Bellocchio, l'attore si è calato perfettamente nella nuova parte. Fisicamente aderentissimo, grazie anche al trucco superlativo,al proprio personaggio, dovremmo dire che più che di mera, totale somiglianza, si dovrebbe parlare qui di una reinterpretazione dal di dentro della figura dello statista milanese. Una  appropriazione totale che non ne rende, soltanto, perfettamente i gesti o il tono di voce ma lascia quasi intravedere i meccanismi interni, logico-psicologici che conferiscono alla figura del " leader " quella sua particolare valenza che ne ha probabilmente segnato la parabola umana e professionale.


Please find here a short commentary in English on this film :

Hammamet is a little town on the tunisian mediterranean shore. Twenty years ago a former italian prime minister, the socialist party leader Bettino Craxi, accused of bribery and handling of illegal funds, forced to fly abroad to escape judicial proceedings, died there. The film, bearing the same title, is not an ordinary biopic or an historical survey of Craxi's exile in Tunisia. It is more a philosophical and political  ( in the broader sense ) picture of a defeated man. Craxi ( called in the film simply as " the president " ) is the prototype of a man who,at the end of his life, realizes the vanity of power and the impossibility of building something durable. The film , by senior movie director Gianni Amelio, is beautifully shot in a vibrant and solid way and has a great comedian, Pier Francesco Favino, interpreting Craxi with a stunning resemblance to his character, both externaly and internaly. Two thumbs up !


Veuillez trouver ci-dessous un court commentaire sur ce film en francais :

" Hammamet " , le dernier film de Gianni Amelio, metteur en scène chevronné auquel nous sommes débiteurs d'un beau film sur le terrorisme ( " Frapper au coeur " , 1982 ) risque de devenir un sujet de scandale en Italie, si un silence hypocrite n'essayera pas plutot de l'effacer du débat publique. Tant le souvenir de l'ancien prémier ministre  Bettino Craxi, accusé il y a plus d'un quart de siécle de trafic d'influence et de financement illégal du parti socialiste et mort dans ce lieu touristique en Tunisie ou il s'était réfugié, est encore sulfureux dans la péninsule et l'opinion publique italienne douteuse et très divisée.
Le film , néanmoins, est très réussi dans la mésure ou il est evite la plus part du temps  de s'enliser dans un discours lié à la cronique politique de l'époque et cherche plutot à entamer une véritable réflexion sur le pouvoir et l'inanité pour l'homme de toute tentative de batir quelque chose de durable. Très soigné dans sa forme, le film est vigoureux et subtil en meme temps, avec une interprétation epoustouflante de l'acteur qui interprète Craxi , Pier Francesco Favino : oui , le meme qui a donné son corps et sa voix d'une facon admirable au personnage de Tommaso Buscetta, le " Traitre " de la mafia dans le film homonyme  de Marco Bellocchio, présenté à Cannes en juin dernier.